Nascido em João Pessoa, na Paraíba, em 1944, João Câmara vive e trabalha em Olinda, Pernambuco. Sua formação teve início na Escola de Belas Artes da Universidade Federal de Pernambuco, onde estudou pintura entre 1960 e 1963. Desde os primeiros anos de atividade, participou de iniciativas coletivas que contribuíram para a renovação do ambiente artístico pernambucano, entre elas o Ateliê Coletivo da Ribeira e o Ateliê + Dez, ambos em Olinda. Sua atuação também se estendeu ao ensino e à formação de espaços dedicados à produção e à circulação da arte.

A figura humana ocupa um lugar decisivo em sua obra. Ao longo de mais de seis décadas de produção, Câmara desenvolveu uma linguagem figurativa própria, marcada por corpos estruturados, fragmentações e associações pouco convencionais entre personagens e cenários. Em vez de recorrer à representação naturalista como finalidade, o artista altera proporções, articula diferentes planos e cria situações que oscilam entre o reconhecível e o insólito. O resultado são imagens que parecem guardar histórias, sem necessariamente oferecer ao espectador uma explicação definitiva.

Essa dimensão narrativa ganha contornos mais amplos em suas séries temáticas. Em Cenas da Vida Brasileira, realizada entre 1974 e 1976, o artista elaborou um conjunto de pinturas e litografias voltado à história política e social do país, tomando como referência o período entre 1930 e 1954. Já em Dez Casos de Amor e uma Pintura de Câmara, desenvolvida entre 1977 e 1983, explorou as relações entre corpo, desejo e representação por meio de diferentes técnicas e formatos. Em Duas Cidades, concluída em 2001, Recife e Olinda constituem o eixo de uma investigação que se desdobra em pinturas e objetos. Embora distintas em seus temas, essas séries revelam o interesse de Câmara pela construção de imagens capazes de reunir experiências individuais e questões coletivas.

A gravura também tem papel importante nesse percurso. Em 1974, o artista montou um ateliê de litografia no Recife, iniciativa que daria origem à Oficina Guaianases de Gravura, posteriormente incorporada à Universidade Federal de Pernambuco. Essa experiência evidencia um interesse que vai além da produção individual: o de criar condições para a experimentação gráfica e para o desenvolvimento de outros artistas.

Na obra de João Câmara, a narrativa não depende apenas do assunto representado, mas da própria construção visual. A disposição das figuras, as relações entre os corpos e o espaço e a presença de elementos que parecem deslocados de seu contexto conferem às composições uma atmosfera particular. É nesse intervalo entre o que se vê e o que permanece em aberto que sua pintura encontra parte de sua força.

A obra Autorretrato Egípcio, de 1993, é um dos destaques do Leilão da Coleção Paulo Rezende, da Blombô. A pintura integra a produção de João Câmara, marcada pela investigação da figura humana e pela construção de imagens que articulam representação, simbolismo e narrativa.

Mais do que um espaço de trabalho, o ateliê proporcionava uma convivência intensa, na qual os artistas trocavam referências, discutiam processos e desenvolviam suas produções em diálogo. A experiência aconteceu em um período de transformações políticas e culturais no Brasil, marcado pela redemocratização e pela retomada da pintura como linguagem expressiva.

A pintura como campo de experimentação

A Casa 7 integrou o movimento de renovação da pintura que marcou a década de 1980. Em um cenário de crescente interesse pela expressividade e pela materialidade da imagem, os artistas exploraram gestos amplos, cores intensas e suportes de grandes dimensões. O uso de materiais acessíveis, como papel kraft e esmalte sintético, permitia trabalhar com liberdade, valorizando a espontaneidade e o próprio processo de criação.

A produção do grupo dialogava com tendências internacionais, como o neoexpressionismo alemão e a Transvanguarda italiana, mas desenvolvia uma linguagem própria. As pinturas evidenciavam a presença física do gesto e a relação direta com os materiais, sem se prender ao acabamento tradicional ou a uma identidade estética rígida.

A Grande Tela e a Bienal de São Paulo

Em 1985, a participação na 18ª Bienal Internacional de São Paulo ampliou a visibilidade da Casa 7. Sob curadoria de Sheila Leirner, obras de grandes dimensões foram apresentadas lado a lado, compondo o conjunto conhecido como A Grande Tela. A montagem aproximava diferentes artistas e produções, destacando a intensidade da pintura contemporânea naquele momento.

A experiência consolidou a presença do grupo no debate artístico brasileiro. Nos anos seguintes, seus integrantes seguiram caminhos próprios, desenvolvendo pesquisas que ultrapassaram as características compartilhadas no ateliê. A Casa 7 permaneceu, assim, como um importante momento de formação e troca, anterior à consolidação de trajetórias individuais distintas.

Cinco artistas, diferentes caminhos

A diversidade das pesquisas desenvolvidas posteriormente evidencia o alcance daquela experiência. Carlito Carvalhosa ampliou sua produção para a escultura e a instalação; Nuno Ramos passou a transitar entre pintura, escultura, literatura e vídeo; Paulo Monteiro aprofundou investigações sobre matéria e volume; e Rodrigo Andrade construiu uma trajetória marcada pela pintura e pelas relações entre figuração e abstração.

Fabio Miguez, por sua vez, expandiu sua pesquisa pictórica para questões relacionadas à cor, à transparência, à geometria e à espacialidade. As transformações em sua obra demonstram como a experiência coletiva da Casa 7 não estabeleceu um estilo único, mas ofereceu um ponto de partida para pesquisas autônomas.

A relevância do grupo reside justamente nessa combinação entre convivência e independência criativa. Mais do que uma linguagem compartilhada, a Casa 7 representou uma maneira de produzir arte baseada na experimentação, na troca e na liberdade de investigação.

Piemonte: a força da Nebbiolo e a passagem do tempo

No noroeste italiano, aos pés dos Alpes, o Piemonte é conhecido por vinhos de estrutura firme, acidez marcante e grande potencial de envelhecimento. É a terra de Barolo e Barbaresco, dois dos nomes mais importantes da vitivinicultura italiana, elaborados principalmente com a uva Nebbiolo.

Apesar de compartilhar a mesma casta, os dois vinhos expressam diferenças de território e estilo. O Barolo costuma apresentar taninos mais imponentes e uma estrutura que pede tempo para se revelar. O Barbaresco, em muitos casos, oferece uma expressão mais acessível na juventude, sem abrir mão da complexidade e da capacidade de guarda. Ambos podem desenvolver aromas de rosas, cerejas, especiarias, alcatrão e folhas secas, em camadas que se transformam ao longo dos anos.

O Piemonte, porém, não se resume à Nebbiolo. A Barbera dá origem a vinhos de fruta intensa e acidez viva, enquanto a Dolcetto costuma oferecer versões mais diretas e de perfil frutado. Há também brancos de personalidade, como os elaborados com Arneis e Cortese. Essa diversidade mostra uma região em que tradição e identidade local caminham lado a lado.

Toscana: entre a tradição e a liberdade de criação

Mais ao centro da Itália, a Toscana apresenta outra relação entre vinho e paisagem. Colinas, vinhedos, oliveiras e pequenas cidades compõem um cenário associado a algumas das denominações mais conhecidas do país. Aqui, a Sangiovese ocupa posição central, especialmente em Chianti Classico e Brunello di Montalcino.

Em Chianti Classico, a uva costuma dar origem a vinhos de acidez vibrante, notas de cereja, ervas e especiarias, com uma estrutura que acompanha bem a comida. Em Brunello di Montalcino, elaborado exclusivamente com Sangiovese, a concentração e o potencial de envelhecimento podem ganhar outra dimensão, resultando em vinhos profundos, complexos e capazes de evoluir por décadas.

A Toscana também foi cenário de uma transformação importante no vinho italiano. A partir da segunda metade do século XX, produtores passaram a explorar novas combinações de uvas e técnicas de elaboração, dando origem aos chamados Super Toscanos. Alguns desses vinhos incorporam variedades internacionais, como Cabernet Sauvignon e Merlot, ao lado ou em substituição à Sangiovese. O resultado ampliou as possibilidades da região e conquistou espaço entre os grandes rótulos internacionais.

Duas regiões, duas expressões

Comparar Piemonte e Toscana não significa escolher entre estilos opostos, mas reconhecer diferentes maneiras de construir profundidade. No Piemonte, a Nebbiolo frequentemente se impõe pela acidez, pelos taninos e pela transformação que o tempo opera no vinho. Na Toscana, a Sangiovese combina frescor, estrutura e uma relação estreita com a mesa, enquanto os produtores exploram caminhos que vão da tradição às interpretações mais contemporâneas.

Essas diferenças também aparecem na experiência de degustação. Um Barolo pode pedir atenção à evolução dos aromas e à textura dos taninos; um Chianti Classico pode revelar sua força na relação entre acidez, fruta e comida. Um Brunello pode convidar a uma degustação mais lenta, enquanto um Super Toscano mostra como a identidade regional pode conviver com outras referências.

Conhecer os vinhos italianos é, portanto, percorrer um mapa de culturas e escolhas. Piemonte e Toscana são apenas dois pontos de partida para uma tradição em que cada garrafa carrega algo do lugar de onde veio — e em que o tempo, longe de ser apenas uma medida, faz parte da própria experiência do vinho.

É desse período que data Composição 20, obra que integra o próximo Leilão Blombô em Porto Alegre, em parceria com a Bolsa de Arte. A pintura reúne elementos de uma linguagem que Valentim vinha desenvolvendo desde o final dos anos 1950: formas geométricas, cores intensas e uma organização rigorosa do espaço. Círculos, triângulos, linhas e outros elementos sintéticos não são apenas recursos formais. Em sua produção, essas estruturas se relacionam a símbolos e emblemas de matriz africana, especialmente aqueles ligados às tradições religiosas afro-brasileiras.

Nascido em Salvador, em 1922, Valentim cresceu em contato com manifestações populares e com a cultura dos terreiros de candomblé. Essas referências não aparecem em sua obra como ilustrações de rituais, mas como parte de um vocabulário visual próprio, construído ao longo de décadas. Ao articular símbolos afro-brasileiros à abstração geométrica, o artista criou uma linguagem que dialogava com as correntes modernas sem se submeter a modelos europeus. A geometria, em seu trabalho, tornou-se um meio de elaborar uma experiência cultural e histórica específica.

Rubem Valentim. Foto: Bel Pedrosa, 1989

Em 1976, Valentim reuniu parte de suas ideias no Manifesto ainda que tardio. Ao escrever que “a geometria é um meio” e que buscava “uma ordem sensível, contida, estruturada”, o artista esclarecia que seu interesse pela organização formal não se limitava à composição. A ordem que procurava nas formas convivia com a inquietação e a emoção, e a arte assumia uma dimensão ética e política: um exercício de liberdade diante das forças repressivas. A geometria não era um fim em si mesma, mas uma ferramenta para transformar referências culturais em linguagem plástica.

Vista a partir desse pensamento, Composição 20 permite reconhecer como a pesquisa de Valentim articula estrutura e significado. A precisão das formas não elimina a dimensão simbólica; é justamente por meio dela que o artista constrói uma obra ligada à memória, à identidade e à pluralidade da cultura brasileira. O ano de 1962 marca, assim, não apenas uma sequência de reconhecimentos institucionais, mas um momento de afirmação de uma linguagem que continuaria a se desenvolver ao longo de sua trajetória.

O projeto da nova sede é assinado pela arquiteta Sarah James, que desenvolveu um espaço pensado para receber diferentes momentos da atuação da Blombô, entre exposições, leilões de arte e vinhos, encontros e projetos especiais. A arquitetura amplia as possibilidades de apresentação das obras e de convivência entre artistas, colecionadores, curadores, pesquisadores, parceiros e apreciadores de vinho.

A mudança também acompanha uma fase de ampliação da atuação da Blombô. Ao longo de sua trajetória, a instituição vem construindo uma programação que combina o mercado de arte a iniciativas culturais e encontros em torno da produção artística e do vinho.

Mais do que uma mudança de endereço, a chegada à Rua Estados Unidos, 521 marca uma nova etapa na história da Blombô e abre espaço para uma programação cada vez mais diversa.

Blombô São Paulo
Rua Estados Unidos, 521 — Jardim Paulista
São Paulo — SP

Pintura de Iberê Camargo tendo rio como tema.

O rio continuaria presente quando Iberê se tornou artista. Em Porto Alegre, para onde se mudou ainda jovem e onde voltaria a viver definitivamente nos últimos anos, o Guaíba entrou em sua pintura e em seus desenhos. Também aparecem em sua produção lugares como a Cidade Baixa, a Rua da Margem e o Arroio Dilúvio, paisagens que registram uma cidade em transformação.

Essa relação ganhou uma espécie de continuidade inesperada depois de sua morte. A atual sede da Fundação Iberê Camargo foi construída às margens do Guaíba, em Porto Alegre, a partir de um projeto do arquiteto português Álvaro Siza. Inaugurado em 2008, o edifício foi pensado em diálogo com o terreno e com a paisagem, incorporando o rio à própria experiência de quem percorre o espaço.

A história parece voltar ao ponto de partida: da pergunta feita por uma criança — “tem rio?” — ao edifício que guarda sua obra diante do Guaíba, o rio atravessa a trajetória de Iberê como uma presença que nunca deixou de retornar.

A primeira edição da Semana Paulistana do Vinho, realizada em abril, ajuda a entender esse movimento. Foram mais de 200 atividades distribuídas por diferentes regiões da cidade, reunindo restaurantes, wine bars, lojas e espaços culturais. O vinho deixou de estar restrito à mesa de restaurantes especializados e passou a aparecer em formatos mais diversos — em taças, menus especiais, encontros, degustações e experiências que aproximam a bebida do cotidiano.

Esse movimento também acompanha uma transformação que acontece além dos limites da capital. O programa Rotas do Vinho de São Paulo chegou, em 2026, a 87 atrativos distribuídos por 38 municípios. São cinco rotas que conectam vinícolas, paisagens, gastronomia e experiências de enoturismo. A cidade de São Paulo funciona, nesse contexto, como uma espécie de ponto de encontro: é onde chegam os vinhos, onde eles são apresentados e comercializados e onde se forma boa parte do público interessado em conhecer sua origem.

Talvez seja justamente aí que esteja o novo mapa enogastronômico paulistano. Ele não é formado apenas por endereços dedicados ao vinho, mas por uma rede que atravessa bairros e estilos de vida. Em Pinheiros, Jardins, Itaim, Bela Vista, Consolação e outras regiões, wine bars e restaurantes criaram maneiras próprias de aproximar vinho e comida. Há lugares voltados aos pequenos produtores brasileiros, casas com cartas internacionais, restaurantes em que a harmonização acompanha a cozinha e espaços em que a taça é o ponto de partida para experimentar sem compromisso com uma região ou estilo específico.

O próprio calendário de 2026 mostra que esse mercado ganhou escala. Em agosto, São Paulo recebeu o I Fórum de Enoturismo e Gastronomia das Américas, reunindo representantes do setor para discutir justamente a relação entre vinho, gastronomia e turismo. No mesmo ano, a ProWine São Paulo projetou sua maior edição até então, acompanhando o crescimento do consumo de vinhos de maior valor agregado e a ampliação da presença internacional no mercado brasileiro.

O resultado é uma cidade em que o vinho pode ser descoberto de muitas formas. Uma garrafa brasileira de pequeno produtor, uma taça de um grande Bordeaux, um jantar harmonizado, uma conversa com um sommelier ou uma visita a uma vinícola próxima da capital fazem parte de uma mesma paisagem. São Paulo talvez não seja uma cidade de vinhedos, mas se tornou um lugar onde diferentes territórios do vinho se encontram.

Mais do que uma rota com começo e fim, o que se desenha é um mapa em movimento: feito de restaurantes, adegas, wine bars, produtores, eventos e pessoas. Um mapa que muda conforme novas casas abrem, novas regiões brasileiras ganham espaço e o público passa a procurar no vinho não apenas uma bebida, mas também uma forma de conhecer lugares, culturas e histórias.

A tradição começou com Philippe Jullian, que desenhou o rótulo da safra de 1945 para celebrar a vitória dos Aliados no fim da Segunda Guerra Mundial. A partir dali, o rótulo deixou de ser apenas uma identificação da garrafa e passou a carregar também uma interpretação visual daquela safra.

Ao longo das décadas, passaram por essa coleção nomes importantes da arte moderna e contemporânea, como Pablo Picasso, Joan Miró, Marc Chagall, Salvador Dalí, Francis Bacon, Andy Warhol, Jeff Koons, David Hockney e Joana Vasconcelos entre muitos outros. Cada artista estabelece uma relação própria com o universo de Mouton, sem que exista um modelo visual pré-determinado para a criação.

Rótulos: Andy Warhol, Joan Miró, Pablo Picasso, David Hockney, Francis Bacon e Joana Vasconcelos

Essa liberdade faz com que cada safra tenha uma identidade particular. Algumas obras partem de referências ao vinho, à terra ou à própria história da propriedade; outras seguem caminhos completamente independentes. O que permanece é a ideia de que uma garrafa pode reunir, em um mesmo objeto, vinho, arte e memória.

Por isso, colecionar Mouton Rothschild também significa acompanhar uma espécie de história da arte em pequena escala. Os rótulos formam, ao longo do tempo, uma coleção que atravessa diferentes movimentos, linguagens e gerações de artistas — e que continua a ganhar novos capítulos a cada safra.

O 159º Leilão de Vinhos da Blombô é uma oportunidade para apreciar e conhecer o Château Mouton Rothschild

Blur — The Best Of Lançado em 30 de outubro de 2000, o álbum traz uma série de retratos dos quatro integrantes da banda, criada pelo artista britânico Julian Opie.

Esse diálogo não começou nem terminou com o Blur. Em 2006, Opie criou uma projeção de LED para a turnê mundial Vertigo, do U2. Para o balé Infra, apresentado na Royal Opera House, em Londres, desenvolveu imagens em movimento que acompanhavam a coreografia de Wayne McGregor e a música de Max Richter. Em cada projeto, o corpo aparece reduzido ao essencial: uma silhueta, um gesto, um deslocamento.

Nascido em Londres, em 1958, o artista trabalha com pintura, escultura, instalação, vídeo e painéis luminosos. Seu repertório é formado por rostos, pessoas caminhando, animais e paisagens reduzidos a contornos precisos. A economia visual não elimina a identidade das figuras; ao contrário, faz com que elas sejam reconhecidas por um movimento, uma postura ou uma combinação de linhas.

A presença de Opie na cultura pop revela uma característica central de sua produção: suas imagens podem circular em uma capa de disco, em um palco, na fachada de um edifício ou dentro de uma exposição sem perder sua força. Entre a arte contemporânea, o design e a vida urbana, o artista constrói uma linguagem que se tornou familiar sem deixar de ser estranha.

Julian Opie integra o Leilão Visões do Século XX — Coleção Internacional, em exposição na nova sede da Blombô, na Rua Estados Unidos, 521 — São Paulo.

Paisagem, óleo sobre tela

Lorenzato não procurava transformar o cotidiano em algo grandioso. Pintava uma paisagem, uma fachada, uma árvore ou um grupo de pessoas, reorganizando essas imagens por meio de cores intensas, formas reduzidas e marcas feitas diretamente na superfície. A simplicidade de seus temas convive com uma pesquisa precisa sobre cor, matéria e composição.

O reconhecimento começou em Belo Horizonte, com a atuação de galerias, críticos e colecionadores que acompanharam sua produção. Em São Paulo, a exposição E você nem imagina que Epaminondas sou eu, realizada na Galeria Bergamin, em 2014, contribuiu para ampliar a circulação de seu trabalho. Ao comentar sua pintura, o curador Rodrigo Moura a definiu como a de “um artista moderno e popular, com um poder raro de síntese” — uma formulação que ajuda a compreender a dificuldade de enquadrar Lorenzato em categorias fixas.

Nos últimos anos, sua obra passou a integrar exposições em instituições e galerias de diferentes países. Em 2019, foi apresentada na David Zwirner e na S|2 Gallery, em Londres, e na Mendes Wood DM, em Nova York. Em 2024, esteve novamente na David Zwirner, em Nova York e Hong Kong, além de integrar a 60ª Bienal de Veneza, com curadoria de Adriano Pedrosa. No Brasil, participou de exposições como Histórias Brasileiras, no MASP, em 2022, e de mostras realizadas em Belo Horizonte em 2025, incluindo a exposição apresentada no Palácio das Artes.

A circulação recente de Lorenzato não apaga a origem de sua pintura. Ao contrário, reforça o interesse por uma produção que permaneceu ligada à experiência comum e à paisagem de Belo Horizonte, sem deixar de construir uma linguagem própria. É nessa relação entre proximidade e invenção que está a força de sua obra.

As pinturas de Amadeo Lorenzato estão entre os destaques do marketplace da Blombô.